フェス

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さいたまスーパーアリーナで行われた春フェス「VIVA LA ROCK」に今年も行ってきた。チケットを買って参加したのは初日だけで、残りの日は屋外のフリーライブだけ観覧。地元を盛り上げようとしてくれてるし、ラインナップも他の春フェス（あるいは他の季節のフェスなどと比較しても）新人・新しい潮流のピックアップに熱心な印象があるし、何より会場近いしで今年も行ってきた次第。因みに外側のけやきひろばで行われているVIVA LA GARDENには5月1日から5日間連続で行っているのだけど、それはまた別の話。

因みに見てきたのは次の通り。

5月3日：KANA-BOON→SHISHAMO→Indigo La End→FOLKS→cero（冒頭2曲のみ）→Awesome City Club→KICK THE CAN CREW→スピッツ→BOOM BOOM SATELLITES
5月4日：大森靖子
5月5日：ザ・チャレンジ→Yogee New Waves

4日・5日はビール飲んでた時間の方が長いかもしれない。とりあえずスピッツがめちゃくちゃ良くって見に来て本当に良かったと思えたのとちょっとだけ聴いたceroの新曲がむちゃくちゃドープで凄いことになっていたのが印象的だった。

イベント自体の感想を先にしておこう。まずフェスのインフラ面の話。新設のTSUBASA STAGE。そのライブ時間だけ出入り口が変わるという変速設定だったけど、導線の面ではそんなに混乱はなかったように感じている（唯一の例外は初日の銀杏BOYZ）。屋外で駅近くのため音量そんなに出せないので、距離を取るとどうしても風で音が流れたりしてしまうのは仕方ないかな。ただ、このステージの設置によって昨年あった「本会場とVIVA LA GARDENの分離感」みたいなのはなくなってて良かった。

オトミセ・イベントブースは行かなくて、どんな様子か結局確認できなかったのが惜しいんだけど、昨年200レベル（入り口入ってすぐ）でやっていたトークイベントを最上階の500レベルまで移したのは導線面からしてもとても良かった。

当日はJAPAN JAM BEACHという競合（と言っていいよね。同じようなメンツながら新人を排してウケるメンツに絞り2,000円も安いチケット出してきたんだから）があったからか昨年同様SOLD OUTにはならなかったものの、ふたを開けてみると前年並みもしくはそれ以上くらいの人出だった。その結果かデイタイムに食事処がめちゃめちゃ混雑していたのが大変残念。どの店も数十分・あるいは1時間以上並ばないと厳しそうな感じだった。夕方前くらいまでそんな状態だったけどヘッドライナー辺りの時間帯にはずいぶん空いてて快適だったので、店増やせっていう話にはならなそう（余っている場所もそんなに無いしね）。

概ねそんなところで、食事難民になった以外はインフラ面含めて昨年から向上していた感じがある。来年はさいたまスーパーアリーナが改修工事を予定していることもあり、5/28-29の2日間で行われることに。｢埼玉であること｣を強調し、盛り上げようとしてくれているイベントなので、来年も1日は行こうと思っている。

さて、ここからは去年と割と同じ話。昨年書いた話を下敷きにはしているけど、繰り返しばかりではないはずです。

●ロックのスポーツ化の話、復習

去年のVIVA LA ROCKの後に「高速4つ打ち邦ロック」「画一化する反応」「ロックのスポーツ化」みたいな話で一部界隈で話題になった。そして今年どうなったかっていると、よりその傾向は顕著に、というかミュージシャン側も含めて二分されるようになってきた。まずは昨年に続き前日参加された方のこちらの記事。
2015-05-07 – WASTE OF POPS 80s-90s

「別にバンド側がやらせているわけでもないのにみんなが同じタイミングで同じ振りをする」という、オーディエンスのアクションの定型化がより一層目立つ形になっています。アイドルとかV系のライブで見られる傾向がこっちにも流れ込んでいる感。
昨年感想を書いた後に補足していただいた「ライブのスポーツ化」「体育会系女子中心」という状況がより見えやすくなってきました。

バンドがその「機能」のみでもって評価され、バンドのパーソナル等々含めてその「機能」以外のものは何も求められていないという状況です。

ライブ・ロックがスポーツ化しているっていうのはレジーさんのブログによるとROCKIN’ON JAPANの2013年2月号でアジカンのゴッチが指摘していた話、ということだけど、このブログの副読本と化している「オルタナティブロックの社会学」を元に再度整理し直しておきたい。

1. 1990年代初頭のシューゲイザーやオルタナティブロックは、ギターリフ重視・音を塊として聞かせるという点で、ロックのサウンド面を大きく革新する物であった
2. それを後押しするようにPA・エフェクターなどの機材も同じ時期に大きく進歩を遂げ、ライブ会場などで音を塊として届ける環境を創出した（一方で録音物の入力音量レベルは年々上がっている）
3. この、「波の音楽」から「渦の音楽」への変化により、ロックミュージックはダンスミュージック（レイヴやEDMを考えるとわかりやすい）と同様に音に合わせて身体的な運動を呼び覚ます音楽へと変わっていった
4. この「オルタナティブロック以降のロックが身体の躍動を一義に置くようになった（最も重視するようになった）」現象を「ロックのスポーツ化」と呼ぶ
5. 近年ではロックフェスの存在がロックのスポーツ化に拍車をかけている。フェスでの音楽の聴き方はミュージシャンの主張や意図や理念ではなく、「今そこに鳴り響く音」そのものだからだ。観客にとっては気に入った音屋言葉の響きに即座に動物的に反応することの快楽がここでは優先されている
6. また、日本の音楽マンガ「BECK」ではロックフェスを舞台に動員数で勝負するという「ライバルとの勝負」という王道少年スポーツマンが的な展開が見られる。また、演奏シーンで躍動する瞬間をスナップ写真のように切り取り描く手法が効果的に用いられており、これもまたスポーツマンガと相似している点である

レジーさんやゴッチさんの指摘するスポーツ化は「動きの定形化」みたいなところに対する指摘という認識だけど、その前に「ライブで体を動かすこと」重視＝フィジカル重視という潮流があるということは間違いない。因みにこの本が出版されたのは、昨年のVIVA LA ROCKの直前である。まさにこの後述べられたことが全て詰まっている（省略したがサークルモッシュやウォール・オブ・デスに関する描写もあり、その点でも前掲のブログと一致する）。そして、現在のいわゆる｢邦ロック」が、こういったオルタナティブロックの影響下にあるバンドやそれを換骨奪胎したかのような新世代バンドで占められていることからしても、とても納得のいく話だろう。

柴那典さんはクラムボンのミトさんがインタビューで「EDMと邦ロックは（ある一面においては）同じ機能を果たしてる」と指摘していることをはてブのコメントで述べていたが、ミュージックマガジンに掲載されたそのインタビューではこう述べている。

EDMも求められているのは音の機能そのものなんです。”ここの拍にはこの音を入れてほしい”という客の要求があったら、それをみんな入れる。その上で音を徹底的に鍛える。そこで共通の感覚を得てボルテージを高めていく。EDMのフェスとか、さながらスポーツの祭典みたいですから。そういうものが今のEDMだと思っています。そこにアーティストのセンスとか、主張はほぼいらないんです。

さっき数行上で見たばかりのような表現ではないか。何度も言うけど「オルタナティブロックの社会学」の出版は2014年の5月頭だ。

ところで上記「ロックのスポーツ化」の話の1〜5までは別に日本特有と言っているわけではない。それでは日本で高速4つ打ち邦ロックがもてはやされるようになった背景は…というところでこのGWに遭遇した出来事から紐解きたい。

新人歌手である藤原さくらを見ていた人はそれなりに音楽に造詣の深い人が多かったからいろんなリズムパターンに順応できてて裏拍で打てた、というふうに推測するところである。前に「亀田音楽専門学校」の4つ打ちの回のケーススタディでもagehaspringsの玉井さんが「日本人にはグルーヴという概念がない」と著書で述べていた話を引き合いに出したけど、そもそも選択肢が少ないのかもしれない。それもあってインスタントにノれる物に人気が集まっていっているのではないか、というのが僕の認識。

●ロックだけではないスポーツ化・画一化、「盛り上がり」は正義なのか？

「インスタントにノれる」あるいは「インスタントにアガれる」というのが今のライブ現場で起きていることを掴む一つのキーワードなのではないかと最近感じている。リアクションの定型化はそのわかりやすい例なんじゃないか。みんなで同じことして一体感が出てくるとアガるもんね。だからTOKIOみたいな知名度の高い人気者がもてはやされるわけだし、アイドルネッサンスみたいに絶妙なカバーを高い練度でパフォーマンスするグループが耳の早いアイドルファンの間で急速に広まるわけだ（制作陣のインタビュー読んだけど、最初からカバーで行くこと決めてた辺りも含め極めて考えて作られたグループだと感じている）。

「アガる」「沸く」「エモい」「多幸感」等々色々表現されるけど、いつも思うのは「どんな曲にも似たり寄ったりのリアクションを」ということと、「果たしてこういう状態が唯一のゴールなのだろうか」ということ。前者は何度も思ったり言ってるから付け加えることはないんだけど、「楽しみ方は無限大」みたいに標榜しても結果として同じ光景に収斂しているのを見ると何とも言えない気持ちになる。この辺はもっと説明できるようになりたい。

それから後者の「盛り上がりが唯一の正解か」という言葉に対するカウンター的なライブだったのがこのVIVA LA ROCK初日のクロージングアクトを務めたBOOM BOOM SATELLITES。本編のセットリストは全て2013年のアルバム「EMBRACE」以降の楽曲のみというセットリスト。この「EMBRACE」は、その前年に川島道行がライブ直前に倒れ、アルバム完成後に脳腫瘍の手術をしたということもあり、より内省的・あるいは暖かみを持つ音像の作品へと大きく変化している物だ。攻撃的な感じではない。

もう少し具体的な言い方をしよう。この日のBOOM BOOM SATELLITESのライブでは「EASY ACTION」も「KICK IT OUT」も演奏されなかった。アンコールで「DRESS LIKE AN ANGEL」を演奏したが、本編は全部最近の曲で、唯一アッパーな「ONLY BLOOD」ですら、これまでの彼等の代表曲に比べるとソリッドで攻撃的なサウンドという感じの曲ではない。しかしながら率直に言ってこのライブはとても良かった。みんなでおそろいの動作をしたわけでもなく、そもそもそんな曲調でもない（4つ打ちは割とあったかな。でも早いのばっかではない）けれども、じわじわと心の奥底にわき上がってくるものがあった。すぐにTSUTAYAにアルバムを借りに行ったわけだけど、ブンブンの新しいアルバム、とても良いです。

色々言ってきたけどなんだかんだでこの流れが止まるような気はあまりしていない。だってこの定型化みたいなのって、4・5年前くらいから邦楽ロックフェスに行く度にずっと気になってきていたことだし。UNISON SQUARE GARDENの田淵さんがWebラジオで今のライブのノリの傾向を「オーディエンスの、演者とコミュニケーションをとりたいという気持ち（繋がりたい欲）が強まっている結果ではないか」と分析していて凄く納得がいったんだけど、だとするとコミュニケーションが（形の上では）しやすくなったこの時代では当然の帰結というように思えてくる。そしてこれからはもっとそうなっていくのかな、という気持ちにもなる。僕個人としては自分の聴きたいように聴キリアクションするってだけなんだけど、このまま傍観していると現代のライブのレールに乗っかれないミュージシャンがどんどんフェスからはじき出されていって先細りになってしまうんじゃないかなあというのが心配（もちろんフェスが全て、ということを言うつもりはないけど主要な「新しい音楽に触れる機会」ではあるからね）なのでこういうことを言っているというところもあったり。

なんだけど、Awesome City Club（大入りではあったけど他の新進ロックバンドみたいに規制にはならず）やcero（客入りはぼちぼちってくらい）なんかを、例えそこまで集客に結びつかないとわかっていてもきちんと意志を持って呼んで紹介してくれようとしているVIVA LA ROCKにはとても好感を覚えているので、来年も行く予定です。

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あけましておめでとうございます。今年もなるべく他の人がやらなそうなことをやりたいと思っていますので、当ブログのご愛顧よろしくお願い致します。

というわけで、今年の最初の記事は、毎年行っているCOUNTDOWN JAPANの話。というかこの話で始まるのも毎年恒例の話である。

というわけで今年は30と31日の2日間行ってきました。見たのは下記の通り。

30日：SCANDAL→くるり→チャットモンチー→きのこ帝国→tofubeats後半→UNISON SQUARE GARDEN→TM Network→大森靖子&THEピンクトカレフ→ねごと→indigo la End前半→the HIATUS

31日：清竜人25→Fly or Die→シナリオアート→Superfly（最初と最後）→でんぱ組.inc→KREVA（年越し）→女王蜂→People In The Box→竹原ピストル（ズ）

時間が長いはずの31日の方が30日より見てる物少ないってどういうことや！

全部に個別の感想述べるのはあまりやりたくないです。というのも清竜人25が底抜けに楽しかったのでそれ以外の記憶があまりない。笑。既に発売されていたシングルの曲以外を聴くのも初めてだったけど、どれも面白い曲だった。個人的には「Call♡Me♡Baby」のトイポップ感がすごく好き。Capsule初期〜Hazel Nuts ChocolateやPlus-tech Squeeze box辺りのアキシブ系の臭いもする。でもこれも次のシングルには入らないんだよね〜。というか次のシングル「A・B・Cじゃグッとこない！！」のカップリングも披露されなかったのでまだ色々残しているようだ。恐ろしい…

それ以外でよかったのは大概30日。くるり・チャットモンチー・きのこ帝国・ユニゾン辺りかな〜。あとFly or Dieはやっぱりお笑いの範疇のような気がしなくもなく、グループアイドルやゴールデンボンバー以上に過激なブッキングなんじゃないか…という印象がぬぐえない。面白かったけどね。

とまあその辺はさておき、今年は随分と会場レイアウトが変わったりブッキングにも一定の傾向があったのでその辺の話を中心に。

●会場拡大の話

今年最大の変化はこれまで1〜8ホール＋イベントホールでやっていたイベントを9〜11にも拡大したことでしょう。会場の拡大はイベントホールを使うようになった2008年以来のことで、実際どんな運用になるのかはとても興味津々な話であった。

んで、蓋を開けてみたら結構変更があったので下記に箇条書き。

• 9〜11ホールはクローク・物販・リクライニングシートのスペースに
• そしてかつてクロークがあったホール8がまるまるGALAXY STAGEになりキャパシティが増えた
• リクライニングシートがあった辺りまでEARTH STAGEが伸びてきて0.5ホール分面積拡大
• GALAXY STAGEがあった7ホールに例年はCOSMO/MOON STAGE間にあった各種ブースを移設
• COSMO/MOON STAGEが、前述のブースがあったところまで伸びてきて若干拡大。

詳しい図は公式サイトの去年のエリアマップと今年のエリアマップを比べてみるとよくわかる。

最大の懸念事項は1〜8ホールと9〜11ホールとの間は直接繋がっていないので通路に何かしらの防寒対策がなされるのかどうかだったが、結論から言うと何もなかった。雨よけの屋根みたいな物は元々備わっていたのだが、横の風をよけるものは何もなかったので昼はともかくとして夜は随分寒かった。3日目の終演後の時間・4日目のカウントダウン後は大体それなりに人がいるのでそんなにダッシュも出来ず。一度大晦日の21時頃に物販に行きたくなり9〜11ホールに行ったけどその時も通路はがら空き、というわけではなかった。

そもそもこの拡大自体が「チケットを取れない人が増えたため」と説明されていて（因みにRIJFが2日間×2になってるのも同様の理由）、それ自体は支持するんだけど、その分細かいところでRO社フェスの強みであるホスピタリティに詰めの甘いところが出てきている、というのは昨年と変わらない傾向だったので、その辺は次回改善してくれると良いなあと思います。とりあえず7ホールにも飲食エリアが出来たおかげでベンチの設置数が大幅に増えたため、去年までの「人気アーティストがやってないと座れない」みたいなことはなかったのは個人的にはめちゃくちゃ好印象。おかげで足があまり疲れなくて良かった。

ただし、COSMOとMOONが近接したことにより音被りが頻繁に発生するようになってた。これはちょっといただけないなあと思ったし観客だけじゃなくてミュージシャン達も困ると思うので、来年以降は指向性の高いスピーカーを入れるなり再度場所調整するなりして直してほしいなあ。あと、ステージ中程の辺りにも出口を作ったことにより音漏れも増えてた。飲食エリアでも聴ける！といえばポジティブに捉えられるけど。笑

因みに公式発表では4日間での来場者は18万人。去年が16万人だったので、1日辺り5000人増えてるわけだけど、それでも余裕は若干あったのできっと来年も増やすだろうな〜。因みに過去の来場者数がCDJ公式Webサイトに載っていたので今年のデータと合わせてグラフを作ってみた。

当然ですが06/07〜08/09にやっていたWestは抜いた数字。動員が大きく増えている06/07は4日間開催になったときですな（当時は29〜1/1の開催で、翌年から現在の日程に）。今回はその時に次ぐ増え幅かも。

●ブッキングなどの話

今年のブッキングおよびタイムテーブル配置の傾向の特徴は大きく二つあって、「ジャンルの再調整」と「新世代バンドの台頭」に集約されるんじゃないかと考えている。

まず最初の「ジャンルの再調整」について。昨年のRIJFでは1日辺り2〜3組の所謂グループアイドルが出演していたわけだけど、今回は29・30・31に各日1組だけ（清竜人25は除く）にとどまったかわりに、昨年ASTRO ARENAに押し込まれていたのとは対照的に今年はGALAXY・MOONといった通常エリアのステージに配されることになった。その上で、各日にブッキングされたのは℃-ute、チームしゃちほこ、でんぱ組.incといった今年日本武道館でライブを成功させたグループのみとなっている。ある程度厳選した上でブッキングしていることはわかる。

その一方で28日にはLiSA・Kalafina・OLDCODEXといったアニメソング分野の人気歌手をブッキング。こちらもLiSAは2014年に日本武道館公演を行っていて、KalafinaとOLDCODEXは2015年に日本武道館公演を行うことが決まっている。所謂ロックフェスをアウェーとするアーティストをブッキングしてジャンルの交わりを醸成するというのであれば単体でもそれなりに集客力があるミュージシャンでないと難しい、というのが運営サイドが出した結論なんだろう。

その煽りを食ったからなのか、毎年ブッキングされていたボカロ勢はごっそり抜かれていたのが地味ながらもインパクトの大きい変更。ある意味グループアイドルよりも前（おそらくボカロ人脈からの初登場は11/12に出演したgalaxias!のDECO*27）から出演実績を重ねていて、去年は年明けのアストロアリーナに3時間ほどの「ボカロユニバース」が開催されるくらいまでなったところに今年ゼロというのはなかなか厳しい話であり、ここはシーンがあまり交わらなそうだという結論が出たのだろうか、あるいは武道館級のミュージシャンが出てきていないということか。次のRIJFではどういうことになるのか、というのが一つの注目ポイント。

それから今年は若いバンドのステージ昇格が目立った。WHITE ASH、グッドモーニングアメリカ、ゲスの極み乙女、KEYTALK、キュウソネコカミ、パスピエ、東京カランコロンがGALAXYに昇格し、KANA-BOONはEARTH STAGE。その一方で長年EARTH STAGEでずっとやってきたバンドがGALAXY落ちするケースも随分見られ、転換期にあるのかな、という印象を受けた。上記に挙げた若いバンド達には、所謂「高速4つ打ちロック」みたいなフィジカルに訴えかけて盛り上げることを重視するバンドも多く、その勢いはまだまだ止まってなんかいないということが改めて実感されるところ。音楽メディアやブログ界隈なんかではその辺に対するカウンター的言説が出てきてるけどその辺はまだマイノリティで、そういった言説が実効性を持つにはもう少し時間がかかるだろう。

とはいえ、なんだかんだでこれだけのラインナップが出てくるとそれなりに見所あったし、快適なのは間違いないので今年の年末もきっと行ってるだろうなあ。こういう風に色々考えたりあっちとこっちをつなげたりしながら今年も書いていきたいと思いますのでひとつよろしくお願い致します。

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この文章は4月にnoteにアップした「今更だけどTOKIOの夏フェス出演について」という文章に加筆修正をしたものです。今の状況と、それから今日実際に自分の目で見た感想を含めてアップする次第。TOKIOは今年JOIN ALIVEとSUMMER SONICという二つのフェスに出演した。そのうち、SUMMER SONICの東京初日である今日、TOKIOを見てきた。

TOKIOが夏フェスに出た理由は二つあると思っている。一つはお題目としてある「ジャニーズ事務所自体の国内マーケット拡大の先兵」。そして言い方は悪いけど「TOKIO自体のテコ入れ」。その二つを満たすのに「TOKIOの夏フェス出演」ということがすごく良いアイディアだったからと考えている。

一つ目。これは自分自身ブログで何度も取り上げているけど、日本国内における音楽パッケージメディアの売上は減少の一途を続けているため、音楽配信に頼っていないジャニーズ事務所の危機感は相当な物だったと考えられる。そのためには「CDを買ってくれるファン」を増やさなくてはいけない。そのためには「今までジャニーズ系グループのパフォーマンスを見たこと無い層」にアプローチする必要がある。そうなると一番パッと思い浮かぶのは近年規模が拡大している夏フェス（個々のフェスはともかくとして、全体的なマーケット規模は増加の一途）。しかしながら、ここに出演するミュージシャンはだいたい洋邦問わずロックバンド中心。ならばバンドフォーマットをTOKIOがまず出るのが最適、という考えになったのだろう。昨年ロックフェスに大量進出したアイドルの中でもBABYMETALがトップクラスに盛り上がったのは元々の知名度だけでなくバックに（エア演奏であっても）バンドが付いていたことは要因の一つとして挙げられる（若干手前味噌）。

もう一つの理由。TOKIOファンらしき人がTwitterで「TOKIO地蔵とか言うけど、そんなにファンいないし」と言ってたけど、それはおそらく間違いなくて、残念ながらTOKIOはジャニーズグループの中で現状最もCDの売上が低いグループ。最新シングルの比較を見れば一目瞭然。最新シングルは20,000枚を切り、オリコンチャートでもギリギリトップ10圏内。それゆえに、今年は20周年だしファン拡大の良いきっかけないかな、と考えたところで一つ目の話と重なるわけ。しかもネットにメンバーの写真をアップさせないことで有名なジャニーズ事務所が、ラインナップに写真を掲載することを許しているわけだから、相当本気なんだろう。

そういう意味で、TOKIOの夏フェス出演にはとても納得できる理由があるわけです。ここからは余計な話。

去年のサマソニで話題になったミスチル地蔵みたいな物はきっと出ないんじゃないかと思っているんだけど、「TOKIOさんのファンの人も夏フェスでいろんな音楽聴けば人生変わるかも」というようなサカナクション山口さんの発言は率直に言うとTOKIOのファンをバカにしてるな、と思った。

彼はいつも「日本でアンダーグラウンド（マイノリティ）であるロックを、自分たちに与えられたTV出演などの機会を通じてオーバーグラウンド（マス）と繋げる」ことを使命に挙げているなど、売れていることに対して自覚的で、かつビジョンをきちんと持ってやっているので、そのいつもの態度から出て来ている物だと考えられる。僕自身彼等のことは好きなのでその辺の意図はよく分かるんだけど、分かるんだけどこの発言はあまりにも筋が悪い。むしろ一般の夏フェスにくるロックファンがTOKIOの演奏にノックアウトされることの方がよっぽどあるんじゃないかと思う（それは母数の関係もあるけどｗ）。むしろ、それこそがTOKIOの、ジャニーズ事務所の考えていることなんだから。

ここまでが4月の話。そして先月にTOKIOは20周年記念ベストアルバム（ファン投票上位曲集録のコンピレーションアルバム）「HEART」をリリースし、見事オリコンチャート1位を達成した。実はこれが、TOKIOのオリジナル曲によるアルバムとしては初めてのアルバムチャート1位なのだ（前の、そして唯一の1位はジャニーズヒット曲カバーアルバム「TOK10」）。そしてその週の7月にはそれをひっさげて北海道の夏フェスJOIN ALIVEに出演してありえないほどの大盛況となった。ひとまずここまでの展開は完全に思惑通り、大成功だ。

さて、それで見てきたサマーソニック。そのための予習として「HEART」聴いていったわけだけど、このアルバムを一聴した印象は「曲調古くない……？」というものだった。1990年代のデビュー時からあまりアレンジ・作風などが変わっていない、70年代の古典的アメリカンロックあるいは80〜90年代前半位の日本のポップロックのような曲だ。いや、別にTOKIOにBPM180の4つ打ちで曲作れとか言ってるわけでもないし、おそらくはメンバー（特に長瀬君）の好みが多分に反映されてるけど、バンドスタイルであったということが彼等自身の曲調の制約になっていて（みんな揃ってでの練習にかけられる時間はそんなに多いわけでもないだろうし）、セールス面も含めた停滞感に繋がっていたんじゃないかという印象を持った。SMAPがロック畑の新進気鋭のミュージシャンを多数起用して曲のバリエーションを広げているのとは対照的な話だ。

ただね、ステージで見た彼等は存在感が段違いで、本当にスターだった。長瀬君はカッコ良かったけど色々よくわからなかったし（「LOVE YOU ONLYサマソニバージョン行くぜー！」って言ったのに何も変わってないの最高だった）、太一君はそつない感じだったし松岡君と山口君は男前だったしリーダーはリーダーだった（最後に微妙なタイミングで背面ギターを披露してたけどあまり注目されてなかった）。テレビで見た彼等がそこにいることの強み。みんな知ってる曲があることの強み（リリックとか最近の曲も良かったけど）。演奏もしっかりしてて満足度高かった。

ただ、幾つか気になった点も。大きさが3番目のステージでキャパシティが完全に足りてなくてもみくちゃになったんだけど、その中で圧縮とモッシュがめちゃくちゃ凄かった。気分が悪くてスタッフに救助された人も随分いて大丈夫かよって感じだった。ステージ割はクリエイティブマンに小一時間文句を言いたいんだけど（別に彼等はマウンテンでも余裕で規制だっただろうしそもそも「フェスで入場規制」とかいうあやしい称号が機能するわけでもないだろう）、奇声をあげながら騒いでる男子の多さは気になった（ジャニーズのライブなのに男が7割位なんですよ、前方でも！）。人気者が出る度にそれが現代版盆踊りともいえる夏フェスでのバカ騒ぎに回収されていくのはなんともなあという気持ちは若干ある。気にし過ぎなのかもしれないけど有名な曲とそれ以外のライブ定番曲や最新曲との落差は結構凄かった。

あと、今回大成功だったわけでこれからもこういうブッキング増えると思うけど、メインがベテラン大物ばかりになるとその年のモードの見本市としてのフェスの役割が弱まらないか、というのは考え過ぎですかね。もちろん彼等も今年出た最新シングルとか披露してはいるわけだけど。

とはいえTOKIOはフェスの光景にいい感じにはまっていてよかったしまた見たいのでCOUNTDOWN JAPAN辺りのEARTH STAGEとかに出ちゃえばいいんじゃないかと思います。間違い無く彼等に一番ぴったりの舞台で20周年を華々しく締められたら最高でしょう。

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先週の土曜日、TOKYO IDLE FESTIVALに行ってきた。いつも見ているアイドルから、全く見たことないアイドルまで、とにかく色々見られて楽しかったし、アイドルもファンもいろんな人がいるんだなあということが実感としてわかってすごく勉強になった1日でもあった。

ぼくたちのリリスクは相変わらずの圧倒的な素晴らしくかわいいステージだったのだけど、すごかったなあと感じたのは東京パフォーマンスドール。

https://www.youtube.com/watch?v=eAigtmgwQgM

ダンスの強度がすごい。動き出しや止まるタイミングとか随分合わせてて、正直に圧倒された。

さて、そんな裏でROCK IN JAPAN FESTIVALも前半日程が終わって、それなりに話題があったみたい。具体的に言うと初日のトップバッターであるゴールデンボンバーへの渋谷陽一の呼び込み文句、もう一つはDragon Ashのkjが「GLASS STAGEにロックバンドが少ない」と発言した、という話。細かい発言は実際に聴いてないのでどうこう言うのは難しいのでこの2件はここでは取り上げません。しかし、ここ数年このフェスでは「ロックであるかないか」とか「ロックとはなんぞや」的な話題が毎年のように繰り返されている。そこで、せっかくだから「ロックとは何か」という手垢の付いた議論をある程度まとめておいた方がいいんじゃないかな、と思ったので今回はそれがお題。

この話をする際には「ロックとは何か」の定義をしておかないと話がぶれる（というか後で言うんだけどみんなに共通認識がないのがぶれてる主原因）ので、まずはそこから。いきなり引用なんだけど、このブログでも数回引用している「オルタナティブロックの社会学（この本は今のロックミュージックをよく著しているので必読！！）」の著者である南田勝也さんの2001年の著作「ロックミュージックの社会学」。

この本では、ロックという言葉に込められたものを実にうまくフレームワーク化しているので是非紹介したいし、これを元に話を進めたい。まず、ロックという言葉の内側には、普通のポピュラーミュージックと違うことを示す3つの指標があるという。

• アウトサイド指標：世の中の主流からの逸脱・反抗を是とする価値観。それが最も出ているのがパンクロックであるのはお察しの通りで、おそらく「ロック」という言葉の一番のパブリックイメージはここにあるのではないだろうか。
  Key Word：反抗、階級への反逆、社会体制への批判、マイノリティの立場、ほうろう、ドロップアウト
• アート指標：独自の芸術性を追求している度合。ボブ・ディラン「Like A Rolling Stone」の歌詞、ビートルズの「Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band」のように、優れたロックミュージックもまた芸術性を有している。
  Key Word：前衛、非日常、暗示、潜在意識、精神の飛翔、ユートピア
• エンターテイメント指標：音の気持ちよさ、踊れる度合、等々大衆からの支持に繋がる快楽性に繋がる要素。あくまでもロックは大衆音楽であり、どんなに芸術性が高く世間への反抗を歌っても、評価するのはやはりチャートというわかりやすい形に落とし込まれた大衆からの評価・そしてセールスである。
  Key Word：楽しみ、身体で感じること、ビジュアル、セクシュアリティ、ビート感覚、潔さ、賑やかさ

そして この3要素は全てを満たすことは不可能で、常にせめぎ合っており、どこかの要素を強めながら変遷してきた。具体的に図にするとこんな感じ（本文の図をトレース）。

60年代後半〜70年代以降では電子音楽・グラムロック・プログレッシブロックというアート指標の高い音楽がある一方、ジョン・レノンに代表される反戦を押し出したプロテストソングや平和運動との結びつきなどアウトサイド指標の高いものも多数見られた。そして70年代後半は何と言ってもパンクミュージックというアウトサイド指標の極めて高い音楽が一世を風靡する一方、アメリカを中心にハードロックから派生したヘヴィメタルは独特の様式美をもち、クラシックなどと融合することによりアート指標が高い音楽として評価を得た。というような感じ。そしてMTVの登場とかでエンタメ志向が強くなったことと大量消費社会に飲み込まれて産業化していくことにより「ロックは死んだ」と言われる、みたいな話。

それでこの本では日本のロックについても触れてるんだけど、そもそもプロテストソングをフォークが担っていたため反抗の音楽みたいなものはロックに求められず（しかも一億層中流なのでWorking Class Heroなんてない）、1990年代を前にしてBOOWYの登場によって「アート」よりもわかりやすい「格好良さ」が受けるようになり、その後のバンドブームによりポピュライズされたことで、日本のロックは上記の指標を維持することが出来なくなった、と論じている（かなり雑にまとめてるので詳しくは本を読んでちょ）。そして、その3指標は日本語ラップ／ヒップホップが担っていくのではないか…という感じで締められている。

ちょっとだけ補足しとくと、邦楽ロック評論（というかROCKIN’ON JAPAN）で自分語りが横行しているのも、インタビューの中からコンプレックスだったりを拾い出して音楽をやる動機と接続することで「アウトサイド指標」を創出してロックの中に位置付けようとしているからだと考えられる。そう見るとゼロ年代中盤に出てきたGOING STEADY→銀杏BOYZ とかサンボマスターとかは「童貞で生きづらい自分」みたいな物からアウトサイド指標を追求しようというアプローチ、とも言える。それでも社会的な階級格差とかそういうのに比べたらどうしてもスケールは小さくなってしまうのだけど。そして震災後にロックミュージシャンから政治的な発言やプロテストソングが出てきたことに反発が強かったのも、上記のような流れが背景にあると説明できる。そもそもそんな土壌がなかったわけだ。いずれにせよ、欧米ではぐくまれてきた「ロック」なる価値観は現代日本では成立が極めて難しい状況にある、という話。因みにこれ13年前の本ですからね。

とはいえ、上記のようなロックの多義性・更に日本での変容を考えると、「ロックとは」みたいな話を出しても「それってどのロック？」 みたいな話になって全くかみ合わないのは仕方ないんじゃないだろうか。ワンマンライブなら集まる人の音楽的嗜好も似ているし「ロック」という言葉のイメージは共有されて伝わる可能性は高いけど、フェスという色々な人が集まる場所ではすれ違いが起きやすい。だから変なことになるんじゃないか、という気がしている。「ロックなのに良い子でいいのかよ？」と言ってダイブを煽ったロックミュージシャンがいたけど、これは極めてアウトサイド指標の高いロックを想定した発言であり、アート指標を重視している人にはその言葉は響かない、みたいなことが発生する。さらにはそもそもそういうこと考えてなくて「ロック＝格好良い音楽」くらいの認識の人だって多いわけだ（しかも年々増えてる）。そこで「ロック」を振りかざしてもみんなに意図が正確に伝わるかと言ったら結構微妙な話だ。

その一方で今年のRIJFの出演者達もロックなのどうなのみたいな話がされるわけだけど、トップバッターのゴールデンボンバーと大トリのSEKAI NO OWARI（この順番すごい。絶対意図的にやっている）も、ロックなのロックじゃないの、という議論の対象になってきた。この指標から行くと非日常を超えたユートピア感を演出しようとしているセカオワなんかはヴィジュアル系なんかと同じように若干アート寄りっぽい感じもする。そのビジュアル系の末裔（いや、亜種？突然変異？メタ的存在？）であるゴールデンボンバーからはこれまでに挙げていた要素は感じられないけど。去年1月のROCKIN’ON JAPAN本誌で「ゴールデンボンバーこそロック」みたいな取り上げられ方をされたインタビューで「いやいやいや、冗談はやめましょうよ」みたいなタッチで鬼龍院翔が応えていたのが懐かしい。

この話は話す側と受け側どっちにも原因を帰することが出来るけど、そういうことよりもロックって確固たる何かがあるわけじゃなくていろんな要素があって、それを行ったり来たりしているのだということをわかっといた方が良いだろうなあというのが今日の結論。そしてこういう風にフレームワークにまとまってると後で応用が利いて便利だよなあということで、この本はぜひ夏休みの読書感想文にご活用ください。

他にも最近面白い本があったので、近々もう1本くらい書こうかなと思っている次第です。

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